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2016年2月

2016/02/23

東芝グランド・コンサート ダーヴィト・アフカム指揮ベルリン国立歌劇場管弦楽団金沢公演 「王道を行く若き巨匠」的なブラームスの2番が見事でした。

この時期恒例の東芝グランドコンサートは,今年は35回目ということで,東京ではダニエル・バレンボイム指揮ベルリン国立歌劇場管弦楽団によるブルックナーの交響曲全集(!)の演奏会が行われました。正直なところ,「金沢でもバレンボイムのブルックナーを」という思いはあったので,金沢公演がバレンボイム指揮ではなく,ブルックナーでなかったのはかなり残念でした。

しかしこのコンサートに登場した若手指揮者は,ほとんどすべて,その後メジャーな活躍をしていますので,今回も若手指揮者,ダーヴィト・アフカムさんを特にお目当てに聞きに行ってきました。

今回のプログラムは,ウェーバー/歌劇「魔弾の射手」序曲,モーツァルト/オーボエ,クラリネット,ホルン,ファゴットと管弦楽のための協奏交響曲 変ホ長調,K.297b,ブラームス/交響曲第2番ニ長調,op.73というドイツ系の作品が3曲でした。やはりこういった作品を聞くと,シュターツカペレ・ベルリンはドイツのオーケストラだなぁということを実感しました。

「魔弾の射手」序曲の最初の音から弦楽器の音に重みがあり,伝統の力のようなものを感じました。これはアフカムさんの音楽性による部分も大きいと感じました。どの曲も神経質な感じはなく,じっくりとした安定感のあるテンポで各曲をじっくりと聞かせてくれました。コントラバスが下手奥にずらっと並び,その前にチェロが配置していましたが,この辺も低弦の豊かさの理由だったのかもしれません。

特に最後に演奏されたブラームスは,曲全体を通じて,太い流れを感じさせてくれるもので,往年のカラヤンなどの演奏(生で聞いたわけではありませんが...。プログラムによるとカラヤンなどを尊敬しているといった記述がありました)を思い出させるところがあると思いました。たっぷりと聞かせると同時に,第3楽章の中間部や第4楽章などでは,若々しい新鮮味を感じさせるなど,「若き巨匠」といった感じの演奏を聞かせてくれました。

2曲目に演奏された,モーツァルトの管弦楽のための協奏交響曲 変ホ長調,K.297bでは,このオーケストラの管楽器の首席奏者が勢揃いし,オーケストラと一体となった,気持ちの良い音楽を聞かせてくれました。

バレンボイムのブルックナーを聞けなかったのは確かに残念だったのですが,王道を行くようなドイツ音楽の演奏を聞くことができ,大満足でした。

ちなみに今回のプログラムですが...1月に行われた金沢大学フィルの定期演奏会とプログラムが非常によく似ていました(最初が「魔弾の射手」,最後がブラームスの2番)。ホルンが大活躍するプログラムでした。

2016/02/14

日比谷公会堂リニューアル前ファイナルイベント  ショスタコーヴィチ第9番・第15番演奏会 井上道義指揮新日本フィル。時代を伝える響きに最後の最後で触れることができました。

昭和4年に開設され86年の歴史を持つ日比谷公会堂が耐震化等に伴う大規模改修の工事のため,一時休館することになりました。その最後のイベントとして,井上道義指揮新日本フィルによる「ショスタコーヴィチ交響曲第9番・第15番演奏会」が日比谷公会堂で開催されました。実は,この演奏会は,「500組1,000名を招待」ということで,当選覚悟(?)で応募したところ,やはり当選したので,北陸新幹線に乗って,日帰りで聞いてきました。
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演奏会自体は「無料」でしたが,往復で2万5千円かかったことになります。しかし,その価値は,それ以上だったと思っています。日本でクラシック音楽(特にオーケストラ音楽)の演奏会が行わなわるようになった草創期の雰囲気を残す「音楽遺産」のような場所と実感しました。

14:00開場でしたが,その前に着いたので(13:30頃)行ってみると,すでに長い列が出来ていました。

14:00少し前に開場になり,いよいよ中に入りました。まず,入口に入るまでの階段が大変急勾配でした。建物に入ると,天井がかなり低く,頭上注意という案内が沢山出ていました。ホールに入ると(私は2階席でした),やはりかなりの急勾配で,しかも隣の座席との間隔が狭かったですね。ひじ掛けがない,というのも現在のホールでは考えられないと思います。しかし,ステージまでの距離は意外に近く,2階席からは大変見やすいと思いました。
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今回は,日比谷公会堂の「大トリ」のような公演でしたが,それに選ばれたのが,ショスタコーヴィチというのも納得でした。その音を聞いてぴったりだと思いました。

第9番の最初の音が聞こえてくると,その音が生々しく(デッドな響きと言って良いと思います),各楽器の音がくっきりと聞こえてきました。演奏者側からすると,粗が全部聞こえてしまうという怖さがあるのではないかと思います。

現在の音楽専門ホールの場合は,残響時間が長く,各楽器の音が溶け合って聞こえ,心地よく音に浸らせてくれます。日比谷公会堂の場合,音が「ピリッ」と飛んでくる感じで,曲想によっては合わないと思うのですが,旧ソヴィエト連邦時代を生き抜いた,一筋縄ではいかない,ちょっとシニカルな雰囲気を持ったショスタコーヴィチの音楽には,ぴったりだと感じました。

第9番の第1楽章の冒頭から弦楽器の音,ピッコロの音が臨場感たっぷりに聞こえる中,トロンボーンが「ちょっと場違い?」という感じで入ってくるのですが,その雰囲気に味がありました。この曲はもともと好きな曲なのですが,特に井上道義さんのキャラクターに合っている曲だと思いました。全体的な雰囲気は,ピリッと引き締まっていましたが,テンポ自体は中庸で,オーケストラの各楽器が,自在にそれぞれのキャラクターを演じているような雰囲気がありました。

第5楽章の最後の部分で,テンポが速くなって,軽やかに終わるのですが,曲が終わった瞬間にクルッとお客さんの方に向いて,「してやったり」という感じでアピールするあたり,井上さんらしさが炸裂していました。

後半に演奏された第15番も,第9番と似た感じの部分があり,あまり力で圧倒するという曲ではないのですが,さらに「意味深」な雰囲気があります。第1楽章でのロッシーニに「ウィリアムテル」序曲をはじめ,色々な曲のフレーズを,そのままの形で引用するなど,「ショスタコーヴィチは一体何を考えているのだろう」という部分もある曲です。

第2楽章の弔いの音楽の深さが特に印象的でした。そして,最終楽章の最後の部分での,弦楽器の上で打楽器がひっそりとカチカチという感じでリズムを刻みながらひっそりと終了する謎めいた終わり方。その意味を解釈するのは,なかなか難しいのですが,その「隠しつつ表現する」雰囲気がショスタコーヴィチの交響曲作曲家としての最後の境地だというのは,面白いと思いました。

日比谷公会堂もショスタコーヴィチも,戦争のあった時代をくぐり抜けながら,音楽を継続していた点で共通性があると思います。このホールには,そういう「過去の空気」が残っているような気がします(そう思いたい,というだけかもしれませんが)。ショスタコーヴィチの最後の交響曲で,ホールの最後の時を刻んで歴史が一旦閉じられるというのは,素晴らしいアイデアだと思いました。

リニューアル後は,その「過去の空気」はなくなっていると思うのですが,また新たな時を刻み始めることでしょう。

この日のお客さんの中に黒柳徹子さんが来ていらっしゃったのも素晴らしかったですね。井上さんは,幕間のトークで,2階席真ん中に座っていた黒柳さんに向かって,「徹子さんのご両親が出会ったのがこの日比谷公会堂だったんですね」と言われていましたが,この日来ていたお客さんの中にも,色々な思い出が詰まっていたことでしょう。

最後の最後にこのホールでショスタコーヴィチを聞くことができて,本当に良かったと思いました。

2016/02/07

北谷直樹指揮・チェンバロによるOEK定期公演はバロック音楽の楽しさを存分に楽しませてくれる最高のパフォーマンス。ラザールのヴァイオリン曲でのヤングさんもお見事! #oekjp

オーケストラ・アンサンブル金沢(OEK)の特徴は,オーケストラ的な性格と室内楽的な性格を兼ね備えている点です。そのことにより,フル編成のオーケストラの定期公演では取り上げられることの少ない,バロック音楽を中心とした比較的小編成な公演が組み込まれることがあります。今回の北谷直樹さんの指揮・チェンバロによるフィルハーモニー・シリーズもそのタイプの公演でした。

「北谷さんならば,何かやってくれそう」と期待していたのですが,その期待を上回る,大変楽しめる内容でした。選曲,演出などすべての点で予想を裏切る,驚きの連続でした。

特に後半最後に演奏されたラモーの叙情悲劇「アバリス,またはボレアド」組曲が予想をはるかに超える凄い演出でした。ラモーの音楽自体,とても分かりやすかったことに加え,ステージ上の照明を変化させることで,自然にドラマが伝わってきました。照明が赤くなった「ロンド」の演奏の時のパフォーマンスは「!」でした。OEKメンバーのほとんどすべての人たちが演奏しながら動きだし(もともと,この日の演奏はヴァイオリンをはじめ,皆立って演奏していたのですが),パーカッションがリズムを刻む中,管楽器奏者たちは一旦外に出て,また戻ってくるという,楽しさと狂気とが混ざった不思議な雰囲気を出していました。(使い便利なので,ついついこの言葉を使ってしまいたくなりますが...)「びっくりぽん」の演奏でした。その後に続く平和そのものの音楽の美しさが弾き立っていました。

後半最初に演奏された,ラザールのヴァイオリンとチェンバロのためのバレエ組曲も素晴らしい曲でした。この曲だけは,2014年作曲の「現代音楽」だったのですが,チェンバロとヴァイオリンという編成だったこともあり(オーケストラの定期公演とは思えない編成です),全く違和感なく,他の曲と溶け合っていました。

曲自体,大変聞きやすいのですが,デリケートな静けさと激しい運動性が美しく交錯するような感じで,集中して楽しむことができました。ヴァイオリンのアビゲイル・ヤングさんの演奏も本当に見事でした。エネルギッシュな熱さと繊細さとが共存した,「ブラーヴォ!」としか言いようのない演奏でした。

ヤングさんと北谷さんは,前回の交流ホールでの室内楽シリーズでも,フィリップ・グラスの「四季」で凄い演奏を聞かせてくれましたが,最高のコンビだと思います。是非,また共演を期待したいと思います。「何かやってくれる」2人ですね。

後半を聞いた後,前半を振り返ってみると「普通のバロック音楽」にも思えたのですが,前半もまた,工夫に満ちた演奏の連続でした。

最初のハイニヒェンのシンフォニア ヘ長調, S.209「モーリッツブルク」という曲は初めて聞く曲でしたが,2曲目に演奏されたヘンデルの水上の音楽を彷彿とさせるようなところがあり,うまい組み合わせだと思いました。

今回の編成では,バロックギターまたはテオルボが通奏低音に加わっていたのが大きな特徴でした。高本一郎さんは,北谷さんのすぐ傍で,これらの楽器を掻き鳴らしていましたが(バロックギターの方はそんな感じでした),特にリズミカルな曲での効果が素晴らしく,ロック・ミュージックを彷彿させるような躍動感を作っていました。その他,コントラバス2本を左右に分けて配置するなど,低音部が非常に充実しており,OEKの響きがイル・ジャルディーノ・アルモニコ(?)のような感じに変貌していたのがすごいと思いました。

ヘンデルの「水上の音楽」組曲は,ホルンやトランペットの入らない,比較的静かな曲の多い,第3組曲が演奏されました。この選曲も良いと思いました。リコーダーが入って軽やかな味を加えていましたが,この曲の別の面を聞かせてくれました。

前半最後には,バッハ,J.S.のフルート,ヴァイオリンとチェンバロのための協奏曲 イ短調, BWV1044が演奏されました。ブランデンブルク協奏曲第5番と同じ編成の協奏曲で,フルートの岡本さんとヴァイオリンのヤングさんが,繊細さとやさしさのある音楽を聞かせてくれました。短調の曲なので,全体的に荘重な雰囲気もあったのですが,北谷さんのチェンバロが大変鮮やかだったので,曲全体が品の良い装飾で,くっきりと縁取りされているようでした。

というわけで,個人的には,過去のOEKによるバロック音楽系の定期公演の中でも特に楽しめた演奏会でした。

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